Veja quantos motivos para visitar "Embu das Artes": Destaque da fera de Embu das Artes

segunda-feira, 11 de julho de 2011

Destaque da fera de Embu das Artes

O maior e melhor artesão em cintos de tecidos couros.e outras
matérias primas, para mulheres e homens.
Vale a pena a visita para ver as novidades qualidade e principalmente preços.
Motivos fortes para não esquecer de visitar o Carlos dos cintos, a os sábados domingos e feriados na maior fera ao ar livre de América Latina..

Um comentário:

Ayla Fernanda8 de março de 2013 às 10:39
Ola gostaria de saber se o Carlos do cintos de Embu tem um blog ou site, que eu possa comprar via internet...Ja fui pra Embu e qdo vi os cintos dele, me apaixonei, mas na epoca nao tive como levar mais.
Ayla
aylafernanda.abreu@gmail.com
ResponderExcluir
Respostas

Adicionar comentário

Assinar: Postar comentários (Atom)

Arquitetura Maneirista : Palladio

Maneirismo Com o desenrolar do Renascimento e o constante estudo e aplicação dos ideais clássicos, começa a surgir entre os artistas do período um certo sentimento anti clássico, ainda que suas obras continuassem, em essência, predominantemente clássicas. Neste momento, surge aquele que foi chamando de maneirismo. Os arquitetos maneiristas (que rigorosamente podem continuar sendo chamados de renascentistas) apropriam-se das formas clássicas mas começam a desconstruir seus ideais. Alguns exemplos do maneirismo: • São constantes as referências visuais em espaços internos aos elementos típicos da composição de espaços externos: janelas que se voltam para dentro, tratamento de escadas externas em alas interiores de edifícios, etc. • O já consagrado domínio da perspectiva permite experimentações diversas que fogem ao espaço perspectico dos períodos anteriores. Michelaângelo é um dos arquitetos renascentistas que podem ser chamados de maneiristas.

Arquitetura seculo XVII - XVIII

A ostentação formal nos espaços do barroco e do rococó O barroco surge no cenário artístico europeu em dois contextos bastante claros durante o século XVII: primeiramente havia a sensação de que, com o avanço científico representado pelo Renascimento, o classicismo, ainda que tivesse alavancado este progresso, não mais tinha condições de oferecer todas as respostas necessárias às dúvidas do Homem. O universo não era mais o mesmo, o mundo havia se expandido e o indivíduo sentia querer experimentar um novo tipo de contato com o divino e o metafísico. As formas luxuriantes do barroco, seu espaço elíptico, definitivamente antieuclidiano, foram uma resposta a estas necessidades. O segundo contexto é o da Contra Reforma promovida pela igreja católica. Com o avanço das igrejas protestantes, a antiga ordem romana cristã (que, em certo sentido, havia incentivado o advento do mundo renascentista) estava sendo suplantada por novas visões de mundo e novas atitudes perante o Sagrado. A Igreja sentiu a necessidade de renovar-se para não perder os fiéis, e viu na promoção de uma nova estética a chance de identificar-se neste novo mundo. As formas do barroco foram promovidas pela instituição em todo o mundo (especialmente nas colônias recém-descobertas), tornando-o o estilo católico, por excelência.

Arquitetura Neoclásica

O Capitólio de Washington, exemplar do neoclassicismo arquitetônico No fim do século XVIII e início do XIX, a Europa assistiu a um grande avanço tecnológico, resultado direto dos primeiros momentos da Revolucão Industrial e da cultura iluminista. Foram descobertas novas possibilidades construtivas e estruturais, de forma que os antigos materiais (como a pedra e a madeira) passaram a ser substituídos gradativamente pelo concreto (betão) (e mais tarde pelo concreto armado) e pelo metal. Paralelamente, profundamente influenciados pelo contexto cultural do iluminismo europeu, os arquitetos do século XVIII passaram a rejeitar a religiosidade intensa da estética anterior e o exagero luxuriante do barroco. Buscava-se uma síntese espacial e formal mais racional e objetiva, mas ainda não se tinha uma ideia clara de como aplicar as novas tecnologias em uma nova arquitetura. Inseridos no contexto do neoclassicismo nas artes, aqueles arquitetos viram na clássica a arquitetura ideal para os novos tempos. O neoclassicismo não se pretendeu, de fato, um estilo novo (diferente da arte clássica renascentista). Ocorria muito mais uma cópia do repertório formal clássico e menos uma experimentação desta forma, tendo como diferença a aplicação das novas tecnologias. As cidades passam a crescer de modo inédito e novas demandas sociais relativas ao controle do espaço urbano devem ser respondidas pelo Estado, o que acabará levando ao surgimento do urbanismo como disciplina acadêmica. O papel da arquitetura (e do arquiteto) será constantemente questionado e novos paradigmas surgem: alguns críticos alegam que surge uma crise na produção arquitetônica que permeia todo o século XIX e somente será resolvida com o advento da arquitetura moderna

Arquitetura seculo XX

O parlamento Ingles é uma das realizações mais exemplares da arquitetura revivalista inglesa Todo o século XIX assistirá a uma série de crises estéticas que se traduzem nos movimentos chamados revivalistas: ou pelo fato das inovações tecnológicas não encontrarem naquela contemporaneidade uma manifestação formal adequada, ou por diversas razões culturais e contextos específicos, os arquitetos do período viam na cópia da arquitetura do passado e no estudo de seus cânones e tratados uma linguagem estética legítima de ser trabalhada. O primeiro destes movimentos foi o já citado neoclássico, mas ele também vai se manifestar na arquitetura neogótica inglesa, profundamente associada aos ideais romanticos nacionalistas. Os esforços revivalistas que aconteceram principalmente na Alemanha, França, e Inglaterra, por razões especialmente ideológicas, viriam mais tarde a se transformar em um mero conjunto de repertórios formais e tipológicos diversos, que evoluiriam para o ecletismo, considerado por muitos como o mais decadente e formalista entre todos os estilos históricos. A primeira tentativa de resposta à questão tradição x industrialização (ou entre as artes e os ofícios) se deu pelo pensamento dos românticosJohn Rusky eWillam Morris, proponentes de um movimento estético que ficou conhecido justamente por Arts&Crafts (cuja tradução literal é "artes e ofícios"). O movimento propõs a pesquisa formal aplicada às novas possibilidades industriais vendo no artesão uma figura de destaque: para eles, o artesão não deveria ser extinto com a industria, mas tornar-se seu agente transformador, seu principal elemento de produção. Com a diluição dos seus ideais e a dispersão de seus defensores, as ideias do movimento evoluíram, no contexto francês, para a estética do Art Nuveau, considerado o último estilo do século XIX e o primeiro do século XX

Seculo XX

A Casa da Cascata, de Frank Lloid Wright, um ícone da arquitetura orgânica. Logo nas primeiras décadas do século XX tornou-se muito clara uma distinção entre os arquitetos que estavam mais próximos das vanguardas artisticas em curso na Europa e aqueles que praticavam uma arquitetura ligada à tradição (em geral de características historicistas, típica do ecletismo). Ainda que estas duas correntes estivessem, em um primeiro momento, cheias de nuances e meios-termos, com a atividade "revolucionária" proposta por determinados artistas, e principalmente com a atuação dos arquitetos ligados à fundação da BauHouse na Alemanha, com a Vanguarda Russa naUnião Sovietica e com o novo pensamento arquitetônico proposto porFrank Lloyd Wright nosEstados Unidos e Le Corbusier naEuropa (sendo forte fator definitivo da Arquitetura Moderna no Brasil, em especial através da obra deOscar Niemeyer eLucio Costa), a cisão entre elas fica bastante nítida e o debate arquitetônico se transforma, de fato, em um cenário povoado de partidos e movimentos caracterizados como tal. A renovação estética proposta pelas vanguardas (especialmente pelocubismo , pelo neoplastisismo, peloconstrutivismo e pelaabstração ) no campo das artes plásticas abre o caminho para uma aceitação mais natural das propostas dos novos pensamentos arquitetônicos, baseados na crença em uma sociedade regulada pelaindustria, na qual a maquina surge como um elemento absolutamente integrado à vida humana e no qual anatureza está não só dominada como também se propõem novas realidades diversas da natural. De uma forma geral, as novas teorias que se discutem a respeito da arte e do papel do artista vêem na indústria (e na sociedade industrial como um todo) a manifestação máxima de todo o trabalho artístico: artificial, racional, preciso, enfim,moderno. A ideia de modernidade surge como um ideário ligado a uma nova sociedade, composta por indivíduos formados por um novo tipo de educação estética, gozando de novas relações sociais, na qual as desigualdades foram superadas pela neutralidade da razão. Este conjunto de ideias vê na arquitetura a síntese de todas as artes, visto que é ela quem define e dá lugar aos acontecimentos da vida cotidiana. Sendo assim, o campo da arquitetura abarca todo o ambiente habitável, desde os utensílios de uso doméstico até toda a cidade: para a arte moderna, não existe mais a questão artes aplicadas x artes maiores (todas elas estão integradas em um mesmo ambiente de vida). A arquitetura moderna será, portanto, caracterizada por um forte discurso social e estético de renovação do ambiente de vida do homem contemporâneo. Este ideário é formalizado com a fundação e evolução da escola alemã Bauhause: dela saem os principais nomes desta arquitetura. A busca de uma nova sociedade, naturalmente moderna, era entendida como universal: desta maneira, a arquitetura influenciada pela Bauhaus se caracterizou como um algo considerado internacional (daí a corrente de pensamento associada a ela ser chamada international styl, título vindo de uma exposição promovida no MoMA de Nova Yorke).

Arquitetura Bauhaus

Decoração: Estilo Luís XVI

Luís XVI, por Jean Duplessis, o pintor da corte,1780. O estilo Luís XVI é um estilo de decoração de interiores e mobiliário que se desenvolve a partir de França durante o reinado de Luís XVI e que se estende além deste, entre aproximadamente 1774 e 1792. Este estilo segue as linhas do anterior, o estilo Luís XV, sendo que, entre o final deste e até 1774, existe um período de transição que se traduz em alterações superficiais do foro decorativo e não estruturais. A transição culmina na afirmação total do novo estilo com a inauguração do Castelo de Louveciennes, decorado por Ledoux para Madame du Barry. O estilo assimila simultaneamente duas características distintas, a do estilo anterior, dentro do espírito do rococó, e a do momento que dá agora os primeiros passos, oneoclassicismo, que só assumirá toda a sua força após a Revolução Francesa. O estilo Luís XVI é, deste modo, um estilo híbrido, que conjuga nas suas peças vários elementos opostos, criando assim uma estética muito própria. A corte vai ser mais uma vez o modelo da nova estética, onde a própria rainha Maria Antonieta, com as suas múltiplas encomendas para o Petit Trianon, se vai tornar numa das peças chave no desenvolvimento do estilo. Também a Madame de Pompadour, que se tinha rendido ao gosto do estilo Luís XV, se começa a interessar pelas novas formas revolucionárias.

Decoração: Estilo Tudor

King's College Chapel. O estilo Tudor, em arquitetura, é o último desenvolvimento da arquitetura medieval durante o período Tudor (1485–1603) e até mesmo posteriormente, por patronos conservadores. Ele seguiu o estilo perpendicular e, embora seja substituído pela arquitetura elisabetana na construção doméstica, o estilo Tudor ainda se manteve no gosto inglês, inclusive nas universidades, como as de Oxford e Cambridge, onde continuam a ser realizadas obras no estilo Tudor que remontam os primeiros tempos do neogótico. O arco de quatro centros, agora conhecido como arco Tudor, foi um elemento definidor; algumas das mais notáveis janelas de sacada envidraçadas pertencem a este período; as molduras são mais espalhadas e os ornamentos de folhagem tornam-se mais naturalistas.

Decoração: Louis XV

Madame de Pompadour, por La Tour, 1755,Louvre, Paris. O estilo Luís XV designa um estilo de decoração de interiores e mobiliário que se desenvolve a partir de França durante o reinado de Luís XV, entre aproximadamente1730 e 1750-60 (não englobando todo o período do reinado até 1774). Este estilo é influenciado pelas linhas fluidas e graciosas do rococó e pelo seu repertório de motivos ornamentais, situando-se entre o estilo regência, onde já dá os primeiros passos, e oestilo Luís XVI, que se caracteriza por uma maior rigidez e austeridade. É considerado um dos estilos estéticos franceses de maior impacto, sendo, por isso, alvo dos mais diversos revivalismos ao longo do tempo. De um modo geral, a estética vai estar ao serviço da mentalidade da época, da busca dos prazeres do quotidiano e intimamente ligado à figura feminina, a sua maior inspiração e a autoridade em matéria de decoração na corte. Provavelmente a figura de maior destaque no impulso das artes decorativas é Madame de Pompadour, amante do rei, que o incentiva a promover a produção artística, como no caso da oficina de porcelana de Vincennes (mais tarde Sevres) de onde originam muitas das peças usadas neste estilo.

Decoração: Art Deco

A Art Déco – termo que deriva da língua francesa e nasce da expressão arts décoratifs – designa uma escola de natureza internacional que marca, no período que vai de 1925 até 1939, movimentos como a decoração, a arquitetura, o design interior e o desenho industrial, bem como a moda, as artes plásticas e gráficas, além do cinema, nos quais ela tem suas fontes principais. Esta forma de expressão começa a ganhar forma e significação a partir da Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernas, que tem lugar em Paris no ano de 1925. Ela está enraizada especialmente na escola conhecida como Art Nouveau, que trabalha mais com as linhas onduladas e sem simetria, baseando-se em formatos vegetais e em adornos com motivos florais. Ao contrário desta arte, porém, a Art Déco se vale de linhas retas ou esféricas, das figuras geométricas e do desenho de natureza abstrata. Resumindo, a Art Déco nasceu da combinação de movimentos variados do princípio do século XX, tais como Construtivismo, Cubismo, Modernimo, Bauhaus, Art Nouveau e Futurismo . Esta escola, que está estreitamente conectada às características modernas e vanguardistas deste período, trabalha especialmente com imagens de animais e de esboços femininos, optando por uma expressão ‘clean e genuína’. Movimentos que marcaram o início do século XX se aliaram para compor a Art Déco vigente em 1925 – entre eles o cubismo, a a abstração geométrica, o construtivismo e o futurismo. Todas estas expressões modernistas, combinadas à cultura hindu, asteca, egípcia e oriental, bem como ao estilo do balé russo de Diaguilev, do Esprit Nouveau do arquiteto, urbanista e pintor francês Le Courbusier e daCompanhia de Arte Francesa, imprimiram seus vestígios nos produtos Art Déco. A princípio esta expressão artística está mais direcionada para a alta burguesia, que se beneficiou particularmente do final da Primeira Guerra, pois ela era confeccionada com matéria-prima mais dispendiosa, como, por exemplo, o jade, a laca e o marfim. Posteriormente, depois da mostra Art Déco no Metropolitan Museum de Nova York, em 1934, esta arte ganha um conteúdo mais acessível às massas e à produção em larga escala. Com uma maior acessibilidade deste estilo às camadas populares, a Art Déco se dissemina mais e passa a integrar o dia-a-dia de cada um, seja na esfera da propaganda, nos utensílios de uso diário nas residências, seja nos acessórios femininos, no universo ‘fashion’, nos móveis, entre outros. Desta forma a Art Déco se espalha por todo o continente europeu e pela América do Norte, insinuando-se pela esfera da música, do cinema hollywoodiano, da arquitetura, entre outros setores culturais. Portanto, apesar deste estilo começar a decair em meados dos anos 30, suas características remanescem na decoração de interiores, no ramo da edificação, bem como em outras esferas da produção. Esta arte também está presente na criação do escultor brasileiro Victor Brecheret. Assim, este estilo pode ser encontrado igualmente neste país, especialmente no Rio de Janeiro, em vitrais, escadas, na Central do Brasil, no núcleo central da metrópole. Na Europa o ápice desta produção artística se deu na década de 20, e nos EUA ela seguiu ao longo dos anos 30. Fontes: http://pt.wikipedia.org/wiki/Art_déco http://www.itaucultural.org.br/aplicexternas/enciclopedia_ic/index.cfm?fuseaction=termos_texto&cd_verbete=352 http://pt.wikipedia.org/wiki/Le_Corbusier http://www.itaucultural.org.br/aplicExternas/enciclopedia_IC/index.cfm?fuseaction=artistas_biografia&cd_verbete=3500&cd_item=1&cd_idioma=28555 Colado de

segunda-feira, 11 de julho de 2011

Destaque da fera de Embu das Artes

Um comentário:

Volte para o blog do Ricardo Jewelry Design, obrigado.